Marilyn Monroe no es Norma Jean Baker, no tiene nada que ver con la verdadera identidad de la mujer que la interpretó.
Marilyn Monroe es un producto de la industria del entretenimiento, una construcción social e industrial llevada a cabo por el sistema a través de pequeñas recompensas continuas para la actriz.
La sociedad masculina la creó y la incrustó en ese personaje, impidiéndole salir, porque Marilyn Monroe es un producto creado para el uso y consumo de las fantasías masculinas, una parte de la sociedad tan poderosa y despiadada ante el deseo y el éxito económico que aplasta a quien sea.
Esta es la lectura que hace Andrew Dominik de la desafortunada vida de la mujer que se hacía llamar Marilyn Monroe y continuamente acosada por muchos lados, en una película que comienza con ella de niña y con los traumas de una madre inestable, para terminar con su muerte como las películas biográficas clásicas.
«Blonde» es una muestra de los abusos que puede sufrir una mujer, desde los psicológicos a los machistas, hasta, por supuesto, los sexuales y los relacionados con la maternidad. No falta nada para contar la decadencia y destrucción de un ser humano.
Todo está basado en la novela homónima de Joyce Carol Oates y no escatima en detalles ni momentos duros. Al contrario. Con una estructura que mezcla oscuros sueños, fantasías y realidad, la película también puede permitirse el lujo de mostrar hechos de los que no hay pruebas, porque nunca sabemos en qué medida son fruto del alcohol, las drogas o los problemas mentales.
Incluso visualmente, Andrew Dominik es tan preciso que construye su película sobre una suposición: que las dos identidades (Norma Jean y Marilyn) también son formalmente distintas. La película es en color cuando le cuenta a Norma Jean y es en blanco y negro cuando se siente o es tratada como Marilyn.
El padre de Marilyn es la figura central de la película, porque Norma Jane nunca lo conoció y solo en tres ocasiones recibió cartas de él.
La película no es biográfica, pero al estar basada en la novela «Blonde», reinventó la vida de Marilyn: esto es correcto desde un punto de vista narrativo, pero menos cuando se trata de personajes históricos que de todos modos han entrado en la imaginación colectiva.
Estas son probablemente las características que más le interesan al espectador que aspira a escenas rápidas e impactantes sin profundizar. Así que junto al aspecto de ficción, surge el de la historicidad de los hechos que se desvían de ellos: no es del todo cierto que Marilyn Monroe maldijera al director Billy Wilder mientras realizaban Some Like It Hot, película que consagró a Marilyn a la historia del cine. En Blonde, sin embargo, aparece esta escena.
En un derroche de momentos rodados para reproducir con la mayor fidelidad posible las fotografías más famosas de Marilyn; la iconografía de una diva interviene cada vez que las situaciones empeoran. Así como la música de John Williams anuncia la llegada del tiburón, la iconografía oficial de la película anuncia que todo va a peor.
Tan rigurosa, precisa y pensada es esta película que incluso las imágenes de sí misma que ve Marilyn Monroe son siempre gigantescas cuando las cosas se salen de control.
Fotos normales en la primera parte de su carrera y luego enormes vallas publicitarias y monstruosas pantallas de cine en la segunda.
Pero todo este rigor no salva a una película terriblemente aburrida, compuesta por monólogos que suelen repetir una y otra vez las mismas preguntas, muy explicados y tan empeñados en mostrar el acoso de su protagonista como para ser una furia constante.
Ana de Armas podría haber pensado en desquiciar este mecanismo repetitivo, pero no ayuda la elección de trabajar más en la imitación que en la interpretación, para hacerlos representar infinitas variaciones de un rostro ensayado que intenta enmascarar el sufrimiento.
Que Marilyn fue víctima de su tiempo y del lugar donde trabajaba es indudable, pero la película la retrata como víctima a un nivel tan fuerte e insistente que conduce al sadismo, lo que además es contraproducente para sus propósitos.
«En Los Ángeles no entiendes lo que es real y lo que hay dentro de ti”, dice su madre al comienzo de la película, brindándonos otra interpretación, otra repetición del hecho de que la industria del entretenimiento crea lo que no está ahí y así también en la realidad.
Frente a ese sofisticado trabajo sobre las imágenes y la representación, hay uno que es muy banal y agotador, el de la escritura.
Incluso, la forma en que «Blonde» lee la vida de Norma Jean Baker, a partir del trauma del abandono de su padre, un acontecimiento en la infancia que condiciona y explica todo lo que viene después, es la manera más sencilla posible de narrar una vida.
Durante las más de dos horas de esta película rodada con gran finura, también veremos caídas muy discutibles en el mal gusto (un diálogo con un feto hablando con voz baja de niño, un diálogo con Arthur Miller en el que descubre que Marilyn es una persona inteligente y rompe a llorar), para encontrar in extremis en una escena con el presidente Kennedy la ira que le permite cambiar de ritmo y darle sentido.
En su propio odio, «Blonde» encuentra una fuerza sincrética única, es decir, la capacidad de poner varios significados aparentemente irreconciliables en una sola imagen, haciéndolos más claros y coherentes.
El poder, la sociedad humana, la opresión, el deseo de posesión y el cine conviven en ese momento en que por fin todo funciona. Pero es solo una escena.
